Энциклопедический словарь юного художника
Р
РИСУНОК
Каждому из нас приходилось держать в руках карандаш, выполнять простейшие изображения — рисунки. Для работы красками, в камне, на деревянной или металлической доске требуется знание многих технических приемов, недели, месяцы, а то и годы напряженного труда. Рисунки в отличие от живописи, скульптуры или гравюры не требуют сложного технического исполнения и создаются гораздо быстрее. Однако это не означает, что овладеть техникой рисунка легко и просто.
Рисунок — основа всех видов изобразительного искусства. Леонардо да Винчи в своем «Трактате о живописи» писал: «Юношам, которые хотят совершенствоваться в науках и искусствах, прежде всего надо научиться рисовать». Свои жизненные наблюдения художник стремится зафиксировать в беглых зарисовках или набросках с натуры (см. Наброски и зарисовки). Замысел будущего произведения он воплощает в общих чертах на листе бумаги. Такие рисунки становятся как бы подготовкой для будущего произведения, и художник выполняет их только для себя. Сохранившиеся подготовительные рисунки старых мастеров позволяют заглянуть в их творческую лабораторию, проследить рождение и развитие художественного замысла будущего произведения.
Самостоятельный характер имеют тщательно и любовно проработанные рисунки на отдельных листах — законченные станковые произведения. В отличие от тиражной графики, например гравюры или литографии, они существуют лишь в единственном экземпляре. Их собирают знатоки искусства, хранят в специальных графических собраниях музеев.
X. Хольбейн Младший. Женский портрет.
Рисунок — действенное средство познания и изучения действительности. Выполняя многочисленные рисунки с натуры, художник вырабатывает в себе умение четко выделять главное в явлении, отбрасывая или, наоборот, акцентируя отдельные детали. Он выявляет верные соотношения различных частей предмета, прослеживает распределение света и тени на его поверхности, влияние световоздушной среды и т. д. Обучение рисунку составляет важнейшую часть профессионального обучения живописца, скульптора, графика, архитектора, мастера декоративно-прикладного искусства.
В живописи главное выразительное средство — цвет, в рисунке — линия. Она выполняет изобразительную функцию, т. е. создает иллюзию пластической формы. Но линия имеет также и свой собственный декоративный ритм. Она может быть то плавной, круглящейся, мелодичной, то угловатой, ломаной, жесткой. С этим связана и особая выразительная функция каждой линии: она передает то или иное чувство, настроение. Великие мастера умело использовали эти особенности линий. Какой певучий музыкальный характер приобретает линия в рисунках итальянского художника С. Боттичелли, и насколько она остра и экспрессивна в произведениях голландца В. ван Гога.
Рисунок — древнейший вид изобразительного искусства. Первобытный человек острым предметом процарапывал изображения на кости и камне, рисовал минеральными красками на стенах пещер. В искусстве древнего мира господствовал контурный линейный рисунок, в котором отсутствовали штриховые моделировки и светотень. Его великолепные образцы дошли до нас в древнеегипетских росписях или на греческих вазах. В средние века принципиального различия между рисунком и живописью не было. Средневековые миниатюры или витражи обычно представляют собой расцвеченный рисунок. Лишь в позднее средневековье живопись и рисунок отделяются друг от друга.
Леонардо да Винчи. Этюды женских рук.
Серебряный карандаш, белила. Около 1480.
В эпоху Возрождения большинство итальянских рисовальщиков, принадлежащих к флорентийской и римской школам, вырабатывают строгую, линейную манеру рисунка. Они тщательно прорабатывают штриховкой пластические формы, придавая изображению особую насыщенность и живую выразительность. Таковы рисунки А. Мантеньи, Леонардо да Винчи, Микеланджело. В противоположность им венецианские художники рисуют в свободном, энергичном, несколько эскизном стиле. В рисунках Тициана, П. Веронезе, Я. Тинторетто главную роль играют легкий живописный штрих, пятно. Эти приемы близки эмоциональной живописи венецианских мастеров.
Вплоть до XV—XVI вв. рисовали на деревянных дощечках, пергаменте, а с XIV в.— на бумаге.
Самый древний инструмент для рисования— металлический грифель (штифт). В средние века художники рисовали обычно свинцовым штифтом, который оставлял мягкие, легко стирающиеся линии. Поэтому им набрасывали общие композиционные линии, а затем уже разрабатывали рисунок другими материалами.
В XV в. любимым инструментом рисовальщиков становится серебряный штифт. Им рисовали на грунтованной или тонированной бумаге. Работа серебряным штифтом требует большой точности, так как проведенные им линии почти не стираются. Им пользовались такие великие мастера линейного рисунка, как Я. ван Эйк, А. Дюрер, X. Хольбейн Младший, Леонардо да Винчи, Рафаэль.
Микеланджело. Рисунок головы.
Серебряный штифт теряет свое значение к середине XVI в. В это время преобладает свободный тональный рисунок и появляется графитный карандаш. Первоначально им пользовались лишь для вспомогательных целей, но когда в конце XVIII в. научились изготовлять карандаши различной твердости, а также резинки (до того линии стирали хлебным мякишем), графитный карандаш становится очень популярным. В первой половине XIX в. блестящим мастером рисунка графитным карандашом был французский художник Ж. О. Д. Энгр, тонкой контурной линией виртуозно передававший игру света на поверхности предметов, несколькими скупыми штрихами — человеческий характер. В России прекрасными рисовальщиками в первой половине XIX в. были О. А. Кипренский, К. П. Брюллов, П. А. Федотов, А. О. Орловский, А. А. Иванов. Во второй половине XIX в. остропсихологические рисунки графитным карандашом создали И. Е. Репин, В. А. Серов и другие.
О. А. Кипренский. Портрет А. А. Олениной.
1828. Итальянский карандаш.
Государственная Третьяковская галерея. Москва.
Рисовали художники и пером: тростниковым, гусиным, позже — металлическим. Пером охотно пользовались живописцы Рафаэль, Рембрандт, Дж. Б. Тьеполо, В. ван Гог и другие, но также и скульпторы, например Микеланджело. Рисовали обычно чернилами, тушью, сепией. Часто применяли комбинированную технику пером и кистью. И если в XV—XVI вв. предпочтение отдавали перу, то в XVII—XVIII вв.— кисти.
Рисунок пером требует от художника точности и уверенности, умения работать без поправок. Перо способно передать скрупулезные подробности пластической формы предметов. Поэтому им часто пользовались для работы с натуры, особенно обнаженной, в которой художники фиксировали нужные им для монументальных композиций сложные повороты и ракурсы фигур, прорабатывали их пластическую форму. Таковы немногие сохранившиеся рисунки Микеланджело для потолка Сикстинской капеллы. Рисунки кистью, наоборот, позволяют передать пространство, свет, воздушную среду. Эта их особенность привлекла живописцев барокко и рококо. Например, в рисунках Дж. Б. Тьеполо, исполненных отдельными пятнами и несколькими прерывистыми линиями, словно ощущается влажная мерцающая атмосфера его родной Венеции.
Из мягких инструментов для рисования особенно интересны уголь, итальянский карандаш и сангина. Они дают свободные, широкие штрихи, но легко стираются или осыпаются с поверхности листа или холста. Такие рисунки необходимо закреплять. Линии, проведенные углем, получаются глубокие и бархатистые, но несколько грубоватые. Одновременно с углем во второй половине XV в. получил распространение так называемый итальянский карандаш, или черный мел; им исполняют рисунки на больших листах, лепят формы светотенью. Сангину, или красный мел, ввел в употребление Леонардо да Винчи. Эта техника еще более приближается к живописи, так как дает возможность работать не штрихом, а пятнами. Ею увлекались мастера динамической линии, особенно живописцы, такие, как П. П. Рубенс, А. Ватто, О. Фрагонар.
А. Матисс. Женщина с распущенными волосами.
Тушь, перо. 1944.
Материалы рисунка
Тот, кто хочет научиться рисовать, должен хорошо знать материалы рисунка, их особенности и свойства. Правильно выбранный материал и свободное владение им помогают художнику успешно решать поставленную задачу.
Со времени появления бумаги основными материалами рисунка остаются: карандаш, уголь, сангина, соус, перо, тушь, однотонная акварель, пастель. Познакомимся ближе с каждым из них.
В какой бы области изобразительного искусства ни работал художник, он обязательно пользуется карандашом: как для рисунков, имеющих самостоятельное значение, так для набросков и эскизов будущих произведений.
Карандаш имеет несколько разновидностей. Наиболее распространен графитный карандаш. Сейчас, как и раньше, существуют два основных его вида: графитный стержень в деревянной оболочке и стержень без оболочки, который вставляется в разнообразные держатели.
Карандаши выпускаются различной твердости и обозначаются буквами: М (мягкий), Т (твердый) и цифрами перед ними, показывающими степень твердости. Чем больше цифра, тем больше твердость (или мягкость, в зависимости от буквы). На зарубежных карандашах: В (мягкий), Н (твердый), Г (средний) и соответствующие цифры. Кроме графитного рисовальщики применяют различные цветные карандаши и карандаш «Ретушь», напоминающий своими свойствами прессованный уголь.
Для набросков пригодна любая бумага, как белая, так и окрашенная в различные тона. Нужно лишь следить, чтобы карандаш не был слишком жестким, а бумага — рыхлой. Для длительных рисунков необходима бумага плотная, прочная, способная выдержать сильные нажимы карандаша, многочисленные поправки и стирания резинкой. При этом бумага не должна быть слишком гладкой.
Древесный уголь. В живописи картина чаще всего начинается с рисунка углем на холсте. Мягкий уголь не портит грунтованного холста, легко смахивается тряпкой в случае необходимости, быстро и свободно покрывает большие поверхности, дает богатство оттенков от черного к белому. Художник, сделавший проработанный рисунок, видит свою будущую картину почти такой, какой она будет в законченном виде. Углем выполняются также и тональные рисунки, имеющие самостоятельное значение.
Для работы углем необходимы шероховатые поверхности: холст, зернистая бумага, картон; на гладких он не держится. Наряду с обычным используется прессованный уголь, более прочный, чем натуральный, и дающий глубокие черные тона.
Тушь — чёрная краска, состоящая преимущественно из специально приготовленной сажи, получаемой при сжигании хвойной древесины, растительных масел и смол, а также из нефти и нефтепродуктов. Из каменноугольных красителей изготовляют цветную тушь. Тушь бывает сухая (в виде плиток или столбиков) и жидкая. Перед употреблением сухую тушь растирают с водой. Лучшая черная тушь — так называемая китайская.
Тушь служит для черчения, рисования пером или кистью. Работа ею не допускает исправлений: штрих или мазок должен быть уверенным и точным. В зависимости от характера поставленной задачи художник выполняет штриховку, заливку, отмывку и т. д.
В отличие от других черных красок тушь со временем не теряет своего интенсивного первоначального цвета. В ходе работы художник разбавляет её водой, и тогда она даёт серый тон, который может колебаться от буроватого до серебристо-серого.
Многие шедевры рисунка созданы в различные эпохи сангиной. Ее красновато-коричневый цвет передает ощущение тепла человеческого тела, и большинство рисунков сангиной — изображение людей.
Соус, или, как его часто называли раньше, чёрный мел, внешне похож на сангину. Цвета его — чёрный, серый и коричневый. Соусом рисуют либо так же, как сангиной, либо, измельчив его в порошок, наносят на бумагу сухой щетинной кистью, прорисовывая затем детали карандашом «Ретушь» или черным карандашом.
При мокром способе порошок соуса разводят водой и рисунок выполняется щетинной или акварельной кистью. В этом случае техника исполнения близка к однотонной акварели. Высохшие поверхности хорошо высветляются резинкой. По высохшему соусу можно прорисовать детали карандашом «Ретушь» или черным карандашом.
Пастель и акварель — материалы, которые используются и в живописи и в рисунке. Для рисунка выбираются один-два цвета, обычно чёрный и коричневый. Пастелью рисуют так же, как и сангиной. Рисунок акварелью выполняется так же, как живописью, с той разницей, что пользуются лишь одним или двумя-тремя цветами (черный, коричневый).
Перо. Как правило, для рисунков пером (обычное школьное или чертежное перо) используется черная тушь или черные чернила. Линия, проведенная пером, предельно ясна, категорична. Неточный штрих, который может сойти не замеченным в рисунке карандашом, здесь портит всю работу.
Разнообразие тонов, получаемое в других материалах нажимом различной силы, высветлением резинкой, размыванием водой, здесь достигается только сочетанием штрихов, их толщиной и частотой. Зато какого строгого благородства, гибкости, выразительности линий добивается мастер! И приемы работы очень разнообразны: от тонкого каллиграфического штриха до экспрессивного сочетания черных и белых пятен.
Техника пера чрезвычайно распространена в книжной графике, так как хорошо поддается полиграфическому воспроизведению. Для пера больше подходит гладкая плотная бумага. На такой бумаге перо не будет цепляться за неровности, а тушь — расплываться. Исправлять рисунок пером можно, лишь соскабливая неверные штрихи.
Все перечисленные материалы можно сочетать друг с другом, это расширяет изобразительные средства рисунка. Сочетания встречаются самые разнообразные и зависят от цели и склонностей художника, но есть классические, испытанные, давшие много выдающихся образцов. Это рисунки карандашом на тонированной бумаге с использованием сангины, а также мела или белил в самых освещенных местах изображения; сочетание угля, сангины и мела (или белил); пера и акварели.
В книгах о рисунках старых мастеров часто стоят обозначения материала, которым выполнен рисунок. Это сепия, бистр, итальянский карандаш, серебряный карандаш, свинцовый карандаш. Они в наши дни употребляются очень редко. Коротко познакомимся с ними.
Бистр — прозрачная коричневая краска, изготовляемая из древесной сажи. Им рисовали кистью, как акварелью, и пером, как тушью, а также сочетая эти способы.
Сепия — коричневая краска, приготовлявшаяся из внутренностей моллюска. Рисовали кистью. Сейчас в акварели есть краска сепия, ее изготовляют искусственным путем.
Свинцовый карандаш, серебряный карандаш, иногда называемые штифтами,— это стержни из серебра или свинца, металлов, оставляющих на бумаге темный след. Они могли быть в оправе, как карандаш, и без нее.
Итальянский карандаш, иногда называвшийся французским, выглядел как обычный карандаш, с более черным и мягким стержнем.
Фломастеры — появившиеся сравнительно недавно специальные цветные карандаши. Начинающему художнику не стоит увлекаться ими, так как при внешней эффектности линии их грубы и однообразны. Неопытного художника злоупотребление фломастером может привести к заученности приемов и поверхностной манере рисования.
НАЧНЕМ С РИСУНКА
Главным и настоящим учителем нашим является только натура.
С чего же следует рисовать? Моделью для рисования может быть все, что мы видим, что имеет трехмерную форму: так называемый натюрморт — предметы домашнего обихода, посуда, всевозможные вещи, сельскохозяйственные предметы и орудия, овощи, фрукты; голова и фигура человека; пейзаж, отдельные деревья, постройки, животные, птицы и т. д. Конечно, начинать надо с более простых предметов, приближающихся по форме к геометрическим. Затем можно переходить к более сложным по форме и расположению в пространстве.
Прежде чем начинать рисовать предметы, нанесите их контуры на лист бумаги, чтобы они не просто расположились и уместились на бумаге, но разместились хорошо и равномерно по отношению к краям листа.
Наиболее распространен метод рисования от общего к частному, с тем чтобы в конце опять вернуться к общему. Что это значит? Допустим, вы рисуете дерево, сухую яблоню без листьев, но с извилистыми, капризно расположенными, суковатыми ветвями и стволом. Прежде чем рисовать отдельные сучки и ветки, наметьте общий контур всего дерева, как будто оно и в натуре своими наиболее выдающимися и в ширину и в вышину точками вставлено в воображаемый многоугольник. Затем в этом многоугольном контуре расположите крупные детали — ствол, наиболее тяжелые ветви, затем следующие детали — ветви, сучки, вплоть до самых мелких. Когда все это будет нанесено на бумагу, опять вернитесь к общему и просмотрите, правильно ли разместились все части по отношению к общему и друг к другу. Таким образом все детали будут нарисованы только в сравнении и в отношении одна к другой. Этого правила нужно придерживаться всегда.
Добавим, что надо быть беспощадно строгим и требовательным к себе, не позволять себе никаких скидок в работе, как бы это порой ни казалось скучным и трудным. Не удалось сегодня, удастся завтра. Бесконечное количество упражнений — один из залогов успеха. Многие великие мастера живописи не пропускали ни одного дня без упражнения в рисунке.
КАК ОКАНТОВАТЬ РИСУНКИ
Чтобы окантовать рисунок или репродукцию, сначала аккуратно подравняйте их с четырех сторон. Затем возьмите лист плотной белой бумаги и вырежьте в нем окошечко с таким расчетом, чтобы вокруг работы остались небольшие поля. Верхнее и два боковых должны быть одинаковые, а нижнее в полтора раза шире.
Такой специально подготовленный лист бумаги с вырезанным в нем отверстием называется паспарту. Работу положите на паспарту с обратной стороны и приклейте по периметру узкие полоски тонкой бумаги. Советуем использовать для этого резиновый клей, который не оставляет на бумаге пятен и при необходимости легко удаляется. По размеру паспарту вырежьте стекло и лист картона. Паспарту положите на картон, а затем сверху накройте стеклом. Соответственно длине четырех сторон стекла нарежьте полоски бумаги, дерматина или ткани — бортовки. Примерная ее ширина — 10—12 мм.
При желании цвет окантовки может сочетаться с колоритом работы, с цветом паспарту.
Полоски бортовки смажьте столярным клеем и наклейте по краям стекла на ширину 5—6 мм. Затем полоски загните и приклейте к обратной стороне — картону. На задней стенке картона, сверху, прикрепите два металлических или пластмассовых колечка или ушки из материи, закрепляемые плотной бумагой. Полоски бумаги либо проденьте в колечки, либо наложите на материю, после чего приклейте. Для этого лучше использовать универсальный клей.
